À l’approche de ses concerts du 6 et 7 mai au Centre national des Arts à Ottawa, nous avons rencontré Bryan Cheng, violoncelliste et créateur à l’univers musical aussi vaste que singulier. Derrière la rigueur de l’interprète se cache un artiste curieux, nourri par une multitude d’influences bien au-delà du répertoire classique.
Dès l’âge de trois ans et demi, il découvre le violoncelle, ou plutôt d’abord… un simple bâton de bois, avec lequel son premier professeur lui enseigne la discipline et la précision de l’archet avant même qu’il ne joue sa première note. Une initiation exigeante, mais fondatrice. Puis à 14 ans, il livre déjà des concerts à guichet fermé au Carnegie Hall et deviendra lauréat de multiples concours et prix.
Aujourd’hui, Bryan Cheng puise son inspiration dans un éventail de styles allant du jazz au tango, en passant par la pop, l’électro et le folk indépendant. Rencontre avec un musicien de son temps, libre dans ses influences et passionné dans son art.
Le Stradivarius « Bonjour »
«Vous jouez sur le magnifique violoncelle Stradivarius « Bonjour » de 1696. Comment apprivoise-t-on un tel instrument ? Avez-vous l’impression d’être en dialogue constant avec son histoire, ou est-il devenu une extension naturelle de votre propre voix ?»
Bryan : D’une certaine manière, des instruments comme celui-ci sont presque indomptables. Étant donné qu’ils ont vécu des vies si longues (plus de 300 ans), il est inévitable qu’ils développent leur propre personnalité, forgée lentement par mes nombreux prédécesseurs qui l’ont tenu entre leurs mains et ont façonné son son. Quand j’ai commencé à jouer le « Bonjour » en 2018, j’ai senti que je devais abandonner complètement mon approche physique et laisser le violoncelle me commander, afin d’en extraire ses secrets sonores. Aujourd’hui, plus de sept ans plus tard, j’ai effectivement l’impression que nous avons une relation symbiotique et collaborative ; le respect mutuel et une communication sensible sont les piliers de notre relation (comme pour toute relation saine).
Des racines canadiennes à la scène mondiale
« Vous avez commencé votre parcours à Ottawa et vous êtes maintenant basé à Berlin avec une carrière internationale florissante. Quand et pourquoi avez-vous choisi de vivre à Berlin ? Comment votre éducation canadienne a-t-elle façonné votre identité musicale alors que vous vous produisez sur les scènes les plus prestigieuses du monde ? »
Bryan : J’ai déménagé à Berlin en 2015 pour étudier avec mon professeur, le violoncelliste de renommée internationale Jens Peter Maintz. En fait, je l’aurais suivi dans n’importe quelle ville du monde. Après avoir cherché pendant des années le bon professeur pour mes études de premier cycle, il était clair pour moi qu’il était exactement le mentor et la présence dont j’avais besoin à ce stade de mon développement. C’est l’un des professeurs les plus dévoués et les plus généreux que j’aie jamais rencontrés. Au-delà de son expertise stylistique et technique, j’ai particulièrement apprécié le fait qu’il préserve et renforce la voix individuelle de chacun de ses élèves, plutôt que de produire des copies conformes. Vivre à Berlin n’était donc qu’un bonus — et un choix très heureux — puisque c’est l’une des plus grandes capitales artistiques au monde.
Je me sens de plus en plus Canadien à mesure que je voyage. Cela ne m’est apparu qu’au cours des dernières années, alors que les valeurs canadiennes fondamentales telles que la tolérance, l’ouverture d’esprit et de cœur, la chaleur et la diplomatie se font plus rares dans le monde. J’essaie d’incarner ces qualités tant dans mon être que dans mon jeu, car je crois fermement que la musique est une fenêtre sur notre humanité. Au bout du compte, chaque personne souhaite simplement être acceptée, respectée, aimée et nourrie.
Le Duo Cheng
« Le lien musical que vous partagez avec votre sœur Silvie semble être central dans votre carrière. Comment cette intuition fraternelle modifie-t-elle le processus de répétition par rapport à une collaboration avec des musiciens que vous venez de rencontrer ? »
Bryan : L’une des choses que je préfère dans les répétitions avec Silvie, quelqu’un que je connais littéralement depuis toujours, c’est que nous parlons rarement. Jouer ensemble, c’est comme si nous prolongions nos ondes cérébrales respectives ; nous nous laissons porter par elles et réagissons de manière si organique que donner vie aux notes devient une seconde nature, qu’il s’agisse d’une pièce inédite pour nous ou d’un grand classique. C’est probablement ce sentiment qui me manque le plus lorsque je travaille avec d’autres pour la première fois, où les répétitions sont composées à 80 % de discussion et à 20 % de jeu réel.
Repousser les limites (CelloFellos)
« Avec des projets comme CelloFellos, vous plongez dans le jazz, le tango et le folk. Est-ce un effort conscient pour redorer l’image du violoncelle auprès d’un public moderne, ou est-ce simplement un besoin personnel d’explorer la polyvalence de l’instrument ? »
Bryan : Je suppose que la question est : peut-on être à la fois égoïste et altruiste ? Pour être franc, je ne m’attendais pas à ce que CelloFellos décolle de cette manière au tout début. Au départ, c’était simplement un exutoire créatif et légèrement rebelle pour mon collègue violoncelliste Leo Disselhorst et moi-même, tous deux de formation classique, pendant la pandémie de COVID. Il s’agissait de garder nos neurones en éveil et de solliciter d’autres muscles mentaux et physiques que ceux que nous exerçons habituellement.
Mais, comme cela arrive souvent, nous y avons pris tellement de plaisir que nous avons continué à arranger de plus en plus de musique. Leo a commencé à composer, et nous avons fini par recevoir des invitations pour jouer dans certains des plus grands festivals d’Europe…
Il est maintenant clair pour nous qu’il y a non seulement une soif en nous d’explorer tout ce que le violoncelle peut faire au-delà du domaine classique, mais aussi une curiosité et un désir du public mondial de découvrir cet univers sonore unique.
Nous avons fait nos débuts dans l’Est du Canada l’année dernière devant des salles combles et nous prévoyons une tournée dans l’Ouest l’année prochaine. De plus, les orchestres souhaitent maintenant collaborer avec nous pour toucher un nouveau type de public. C’est vraiment exaltant de sentir l’atmosphère solennelle d’une salle de concert se transformer en un club de rock qui « groove », une métamorphose qui s’opère très facilement et instantanément lorsque nous (musiciens et public) avons la chance de simplement lâcher prise !
Déterrer un répertoire rare
« Vous avez récemment défendu des œuvres de compositeurs moins connus comme Marie Jaëll. Qu’est-ce qui vous attire dans ces partitions « oubliées » et pourquoi est-il important pour vous de les présenter au public d’aujourd’hui ? »
Bryan : En tant que violoncellistes, je pense que nous sommes dans une position unique en ce qui concerne l’étendue de notre répertoire. D’un côté, nous avons une quantité raisonnable de chefs-d’œuvre — les 10 grands favoris, si vous voulez — dans les genres du concerto, de la sonate et du solo. De l’autre, il y a une mine d’œuvres encore inconnues à explorer, sans pour autant être une quantité écrasante comme dans la littérature pour piano ou violon, qui nécessiterait plusieurs vies pour être maîtrisée.
On pourrait dire que cette génération de violoncellistes a la responsabilité d’honorer la tradition tout en apportant quelque chose de nouveau. Sinon, quel serait l’intérêt d’un énième violoncelliste jouant la même pièce encore et encore ? Je trouve les deux avenues passionnantes : offrir un regard neuf sur des pièces très aimées (qui peuvent finir par sonner différemment des interprétations historiques légendaires) et, simultanément, mettre en lumière des joyaux méconnus comme le concerto de Jaëll.
Qui sait quelles pièces pourraient devenir des standards dans quelques années simplement parce qu’elles auront été entendues et jouées plus souvent ?
La même philosophie s’applique à la commande d’œuvres à des compositeurs vivants, ce qui est aussi ma façon d’élargir notre répertoire. Chaque pièce de musique classique a été moderne à un moment donné, et parce que nous vivons dans un monde et une société vibrante, il est peut-être encore plus important que la musique d’aujourd’hui reflète précisément cette diversité. Je suis donc très fier et heureux de présenter un mélange de toutes ces impulsions lors de la programmation de mes récitals, de mes résidences en festival ou de mes collaborations saisonnières avec des orchestres.
Profondeur émotionnelle
« Les critiques soulignent souvent la maturité et la profondeur émotionnelle de votre jeu. Au-delà de la partition, où puisez-vous votre inspiration ? La trouvez-vous dans d’autres formes d’art, la littérature, ou peut-être vos voyages ? »
Bryan : En réalité, pour moi, toute l’inspiration se trouve dans la partition elle-même. Avec les véritables chefs-d’œuvre, les notes racontent déjà toute l’histoire. C’est à nous, en tant qu’interprètes, de les traduire dans notre propre langage et d’en transmettre l’impact au public. Parfois, lorsque le message de la musique n’est pas immédiatement clair ou fort, je me laisse influencer par la narration en général, que ce soit par les arts visuels, le cinéma, la littérature ou même des entretiens historiques avec des personnalités légendaires.
L’autre ancrage puissant dans ma vie est la nature, de laquelle tout est issu. En observant et en m’imprégnant de la nature qui nous entoure, j’assimile inconsciemment tout cet aspect sauvage, imprévisible, cette force, cette douceur et cette tranquillité dans mes interprétations. Comme chaque arbre dans une forêt vit et meurt et mène une existence totalement unique, je pense aussi à chaque note et chaque phrase comme quelque chose qui respire, étant singulier tout en étant lié au suivant.
La connexion montréalaise
« Vous vous produisez fréquemment avec l’OSM et l’Orchestre Métropolitain. Qu’est-ce qui rend le public montréalais ou l’énergie musicale de cette ville unique pour vous ? »
Bryan : J’ai une longue histoire avec la belle ville de Montréal, y ayant étudié pendant 8 ans avec le grand violoncelliste et chef d’orchestre Yuli Turovsky jusqu’en 2013 (j’ai été son dernier élève, en fait). Depuis, j’ai joué dans la ville ou aux alentours presque chaque saison, toujours devant des auditeurs extrêmement enthousiastes et avertis. J’adore le public montréalais et celui du Québec en général, car ils sont si passionnés et sang chaud. Soit ils vous adorent absolument, soit ils ne vous supportent pas, et j’ai la chance de n’avoir eu que des expériences positives avec eux. Le sentiment est donc tout à fait réciproque !
L’élan de 2026
« Avec votre récente signature chez IMG Artists et votre nomination comme Étoile montante, 2026 est une année massive pour vous. Comment gardez-vous les pieds sur terre au milieu d’un tel tourbillon de succès international ? »
B : Il est facile de garder les pieds sur terre quand on regarde constamment vers le haut ! Bien sûr, je suis pleinement conscient des accomplissements que j’ai réalisés jusqu’à présent et pour lesquels j’ai beaucoup travaillé. Pourtant, je suis le genre de personne qui se projette sans cesse vers l’avenir, vers le prochain projet et la prochaine étape importante. Je n’ai jamais l’impression d’être arrivé à un point précis, car la ligne d’arrivée ne cesse de se déplacer, et c’est une perspective très motivante pour moi personnellement. Au-delà de cela, mes chers amis et ma famille me gardent profondément ancré dans le monde qui m’entoure, en dehors de la bulle musicale, et m’aident à trouver un équilibre dans ma vie quotidienne.
Centre National des Arts à Ottawa
Mozart, Korngold, Bryan Cheng
6 – 7 mai
Détails et billets ici
Photo: Antoine Saito
